El rapto de Proserpina

El rapto de Proserpina:
El rapto de Proserpina es una escultura hecha por Bernini en el barroco por lo que es una escultura de características barrocas como:No realza las figuras humanas si no que las retrata tal y como es y no es como en el renacimiento(etapa anterior)que las embellece.
Mito de la escultura:
Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades, el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo. Su madre Ceres, diosa de los cereales o la Tierra, marchó a buscarla en vano por todos los rincones del mundo.
Entonces Plutón dejó marchar a proserpina con la condición de que no como los frutos caídos en el suelo pero ella comió y Plutón la condenó a pasar 6 meses en el inframundo greco-romano y los otros 6 meses fuera.
Esta es una leyenda de las estaciones del año que en los meses que sale proserpina es verano y primavera(estaciones en las que hace calor,florecen las plantas,cantan los pajaros,etc)y los meses que está dentro del infraundo son los fríos es decir invierno e otoño(cuando ocurre todo lo contrario al verano y la primavera.

Apolo y Dafne

Apolo y Dafne: Esculpida por Bernini(es un escultor de la época del barroco)Cuenta el mito de Apolo y Dafne, en el que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriere. También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Peneo, el cual determinó convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo:Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria. La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis.
La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.

Zurbarán

Zurbarán:

Es un amigo de Diego de Velázquez que destacó en pintura religiosa en la época del barroco y su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo(designaría un tipo de experiencia muy difícil de alcanzar en que se llega al grado máximo de unión del alma humana a lo Sagrado durante la existencia terrenal).Su estilo fue evolucionando con el fin de  aproximarse a los maestros manieristas italianos(Caravaggio por ejemplo).Sus padres fueron Luis de Zurbarán, comerciante acomodado, e Isabel Márquez, quienes se habían casado en la localidad vecina de Monesterio el 10 de enero de 1588. Otros dos importantes pintores del Siglo de Oro nacerían poco después: Velázquez (1599-1660) y Alonso Cano (1601-1667).
Características de sus obras:
- Vocación naturalista: desde sus primeras obras se observa el ansia por pintar y captar con realismo las telas (rasos verdes, rojos, terciopelos, bordados, y sobre todo las telas blancas: las figuras de sus monjes suelen ser monumentales gracias a la simplicidad y precisamente es, además de pintor de frailes, un gran pintor de naturalezas muertas, de composición sencilla y clara (por yuxtaposición de objetos).
- Aunque sus figuras de alta categoría divina las interpreta con trazos de escasa variación, lo mismo que para las femeninas crea un ideal de belleza, el resto de personajes (pastores, gente del pueblo, santos o sus acompañantes, religiosos) son de gran realismo, verdaderos retratos que hacen vivir el espíritu del personaje al que encarnan.
- Se mantuvo siempre dentro del tenebrismo, pero es un tenebrismo muy peculiar, muchas veces los fondos no son totalmente obscuros: contrasta la escena de primer plano con un segundo término de muros o columnas en sombra.
- Coloca personas y cosas más yuxtapuestas que unidas entre sí. La escena casi siempre se desarrolla en un primer plano y los personajes casi no dejan espacio libre.
- En sus numerosos cuadros de frailes, pinta la vida corriente monacal (actos de caridad, humildad, tentaciones…) y, sobre todo, escenas en las que los santos/as y público beato, son recompensados con la presencia o aparición divina. Todo ello lo hace sin grandilocuencia ni teatralidad, pero con un tono solemne, grave, sincero, sentido; es decir, el fervor religioso aparece en él totalmente humanizado y comprensible, sereno y no afectado

Caravaggio

Caravaggio:

Considerado como uno de los pintores más importantes del barroco y primer gran exponente.
Nació en en Milán, donde su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador del Marqués de Caravaggio, ciudad de la que más tarde tomaría el nombre. Su madre Lucía Aratori provenía de una familia adinerada del mismo lugar. En 1576 la familia se mudó a Caravaggio debido a la peste que azotó Milán. El padre de Caravaggio falleció en 1577. La cercanía con las familias Colonna y Sforza ayudaron más tarde a Caravaggio en su carrera. En 1584 entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato como pupilo de Tiziano.En 1592 llegó a la ciudad de Roma como un pobre,sin ropa,sin dinero y bastante desnutrido.Pocos meses después comenzó el trabajo exitoso que no concluiría hasta dejar Roma. Contactó con Giuseppe Cesari, pintor de cámara de Clemente VIII, pintor de flores y frutos quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Caravaggio pintó varios cuadros durante esa época, entre los que se incluye en el muchacho cogiendo su fruta (su primera pintura conocida), cesto de frutas y Baco.fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este encargo fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo, entregados en 1600. El tenebrismó es  El tenebrismo se caracteriza por el violento contraste de luces y sombras mediante una forzada iluminación de forma muy evidente cuando se hace llegar un foco de luz marcando una diagonal en la pared del fondo, como la que proviene de un tragaluz en un sótano.El 26 de Mayo de 1606 Caravaggio fue asesinado por Ranuccio Tomassoni.
Algunas obras:

La extasis de Santa Teresa

La extasis de Santa Teresa:
Es una obra realizada por el artista del barroco Bernini.En la escultura podemos observar a un ángel(que se supone que es Cupido por el sentimiento de exitación) con una sonrisa picarona y clavandole o sacandole una flecha a Santa Teresa y luce una una especie de manto con multitud de pliegues y en su mano derecha porta la flecha y en su espalda dos alas.Tambien podemos observar a Santa Teresa a la izquieda a la cual el vestido tambien tiene un montón de pliegues,muestra un sentimento mezclado es decir;entre placer y dolor con su boca abierta y ojos cerrados,su cuerpo parece caerse pues sus brazos y piernas están flácidos y bajo ella podemos observar a un conjunto de nubes flotando.Sobre las dos figuras caen diversos rayos realizados con bronce que nos dan la sensación de ser rayos de luz que proceden del sol que alumbra a los personajes. Rodeando el conjunto escultórico se encuentra un decorado marco.
Características:
El rostro exagerado de la santa como es típico en la escultura italiana barroca. La multitud de pliegues que forman sus ropajes hacen que se aprecien contrastes de claroscuro. También consta de diferentes puntos de vista y como bien se puede apreciar las figuras están en plena acción transmitiéndonos movimiento. Están realizadas en mármol blanco, aunque presenta contrastes cromáticos entre los diferentes materiales. También presenta un acabado pulido en algunas zonas y muestra rugosidad en otras.

San Jorge

San Jorge de Donatello:
Esculpido por el artista del renacimiento de la época del Quatrocentto(S.XV)Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad.La escultura se encuentra en una ciudad de italia Florencia.Fue esculpida en el año 1408 realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades

Baldaquino Bernini

Baldaquino Bernini: (1624 - 1633)
Diseñado y construido por Bernini(artista de la época del renacimiento), cubre la tumba del Apóstol San Pedro, recordando las palabras de Jesus: "Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia". La necrópolis petrina se encuentra debajo del complejo basilical, y, cuando el emperador romano Constantino mandó construir la primera basílica, ordenó que el altar estuviese sobre la tumba del Santo Apóstol.
El diseño del baldaquino pensado por Bernini está construido en bronce y simula la forma de un palio, en vez de un templete. Lo forman cuatro columnas salomónicas de 14 metros de altura que sostienen sendas porciones de entablamento, que llegan a los 29 metros, unidas por una cornisa cóncava con colgaduras que imitan los palios textiles. De los vértices arrancan cuatro volutas convergentes, altas y finas, coronadas por un pequeño entablamento mixtilíneo.
Bernini, aunque siempre se muestra clasicista, utiliza elementos barrocos adaptados a su nuevo estilo. Utiliza como elemento de soporte principal la columna salomónica profusamente decorada. Frente a la sobriedad renacentista, las líneas adquieren un caracter dinámico y efectos de sorpresa. El uso de orden gigante para las columnas es otro factor propio del barroco, aunque iniciado ya por el manierismo arquitectónico en épocas anteriores. Los elementos decorativos desbordan lo constructivo y son abundantes: se utilizan frontones mixtilíneos y se parten dotando de desequilibrio a la composición. Todo esto para conseguir un aspecto caprichoso e irracional.  

El David de Bernini

El David de Bernini:

 Es el david esculpido en mármol por el escultor de la época del barroco Bernini de tamaño natural (1.70 metros de altura).Realizada entre los años 1623 hasta 1624.La temática de esta escultura es religiosa en la que representa una escena de la bíblia en la que david vence a través de una onda a Goliat(personaje gigante del antiguo testamento)Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta.Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafneelige modelos mucho más jóvenes y delicados.
Características de la escultura:
La tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.Se da gran importancia al desnudo, creando grupos compositivos que permiten la contraposición de las mujeres al incidir la luz sobre las superficies de las esculturas..Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc.

Felipe IV

Felipe IV:
Nacido el 8 de Abril de 1605 y murió el 17 de septiembre de 1665.Comenzó su reinado en 1621 trás la muerte de su padre Felipe III.Como su padre también empleó a un valido(persona en la que un rey desempeñaba tosos sus poderes mientras que el rey se daba la buena vida)Ese valido fue elConde-Duque de Olivares, quien realizó una enérgica política exterior que buscaba mantener la hegemonía española en Europa. Tras la caída de Olivares, se encargó personalmente de los asuntos de gobierno, ayudado por cortesanos muy influyentes, como Luis Méndez de Haro, sobrino de Olivares, y el duque de Medina de las Torres.





El conde duque de olivares:
Nieto de Pedro Pérez de Guzmán y Zúñiga, I conde de Olivares, y bisnieto del III duque de Medina Sidonia, nació en Roma, donde su padre, Enrique de Guzmán, era embajador de España. Vivió en Italia hasta los doce años, pues su padre fue sucesivamente virrey de Sicilia y de Nápoles. Como tercer hijo de la Casa de Olivares, rama menor de la poderosa Casa de Medina Sidonia, se le destinó a la carrera eclesiástica. A los catorce años fue enviado a estudiar derecho canónico a la Universidad de Salamanca. Sin embargo, las muertes sucesivas de sus dos hermanos mayores le convirtieron en heredero del título, de forma que tuvo que abandonar en 1604 los estudios para acompañar a su padre en la corte de Felipe III, donde éste había sido nombrado miembro del Consejo de Estado y Contador Mayor de Cuentas. Al morir su padre en 1607, heredó el mayorazgo de Olivares y se concentró en cortejar a su prima, Inés de Zúñiga y Velasco, con la que se casaría ese año, con la pretensión de obtener el título de Grande de España. Ante el fracaso en esta pretensión, se retiró a Sevilla para administrar sus dominios, donde pasaría ocho años y compraría la jurisdicción de la villa de Bollullos de la Mitación
Política interior:
Durante su etapa como valido, el Conde-duque realizó una serie de reformas para poder mantener la hegemonía en Europa. Estos cambios se concretaron en cuatro aspectos: reformar la vida pública, fomentar la economía, mejorar la hacienda e impulsar la formación de un ejército común.
El valido intentó imponer las leyes y costumbres castellanas en su propósito de unir la Monarquía hispánica en una comunidad nacional, con una fiscalidad, Administración y Derecho comunes. Pero no alcanzó su propósito debido a la oposición de la nobleza a las nuevas propuestas del valido.
Política exterior:
Durante esta etapa la política se centró en el mantenimiento de la reputación de la Monarquía en Europa. Encontramos una época de conflictos en Europa en la que España se verá influenciada.
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Felipe III

Felipe III:
Nacido en Madrid en 1548  el pueblo le llamaba el piadoso.Fue rey de España y de Portugal desde el 13 de septiembre de 1598 hasta su muerte. Era hijo y sucesor de Felipe II y de Ana de Austria (1549-1580). En 1598 contrajo matrimonio con la archiduquesa Margarita de Austria-Estiria, hija del archiduque Carlos II de Estiria y de María Ana de Baviera, nieta del emperador Fernando I. Su reinado supuso una transición entre el apogeo de Carlos I y Felipe II y la decadencia que representarían los últimos años de Felipe IV y el reinado de Carlos II.
Aficionado al teatro, a la pintura y, sobre todo, a la caza, delegó los asuntos de gobierno en manos de su valido, el duque de Lerma, el cual, a su vez, delegó en su valido personal Rodrigo Calderón; por influencia del duque, la corte española se trasladó temporalmente a Valladolid (1601), volviendo luego a Madrid (1606). Murió en Madrid, el 31 de marzo de 1621, a causa de fiebres.
Política interior:
Considersdo como uno de los austrias menores.Entre uno de sus logros destaca la expulsión de los moricos por:(duro desde 1609 hasta 1610)

La actitud de cristianos poco convencidos, en un Estado defensor del catolicismo.

Su posible alianza con los turcos y berberiscos que atacaban constantemente las costas de Levante.

Su impopularidad entre la población.

La necesidad del Estado de controlar sus riquezas y valores.

Entre 1609 y 1610 salieron de la península. Para esta operación fueron movilizados 30.000 soldados y la Armada fue la encargada de transportarlos hasta Túnez o Marruecos. Se expulsó a unos 300.000 moriscos aproximadamente.
Política exterior:
Inglaterra:Con la llegada al trono de Jacobo I de Inglaterra, se convirtió en un sólido aliado para España. En agosto de 1604 se firmó la Paz de Londres, mediante la cual las relaciones comerciales y diplomáticas entre ambos países mejorarían.
Francia:Con la muerte de Enrique IV de Francia partidario de la guerra contra España- se produjo una época de inestabilidad en el reino francés. La reina regente, María de Médici, pidió ayuda a España en la lucha contra los hugonotes. Así, la paz con Francia que Felipe II de España había concertado en sus últimos momentos (Vervins, 1598) quedó consolidada en 1615 mediante sendos matrimonios del rey francés con una infanta española y del príncipe heredero de España (el futuro Felipe IV) con Isabel de Borbón.
Italia:El duque de Osuna, virrey de Nápoles, y el marqués de Villafranca, gobernador en Milán, dirigieron la política de la Monarquía hispánica en Italia, que encontró la resistencia del ducado de Saboya y la república de Venecia. Para asegurar la conexión entre el Milanesado y los Países Bajos se abrió una nueva ruta a través de la Valtelina, en Suiza y en 1618 se produjo la conjuración de Venecia, en la que las autoridades emprendieron una persecución contra agentes pro-españoles.
Curiosidades:
La guerra de los treinta años:
Más que nada fue un enfrantamiento religioso entre bohemia y Alemania.

Felipe II

Felipe II:
Hijo de Carlos I de España y V de Alemania(fue el mayor rey español de la historia por la cantidad de territorios que podeía:España,el sacro imperio,América y otros varios territorio.Por causa suya se produjo la guerra de las comunidades que consistió en que varias comunidades se unieron contra la subida de impuestos del rey para su propia conoración de emperador.Los cabecillas de esta revuelta fue Juan de Padilla, Juan Bravo y Francisco Maldonado. El ejército comunero quedaba descompuesto. Solamente Toledo mantuvo viva su rebeldía, hasta su rendición definitiva en febrero de 1522 que es cuando finaliza esta revuelta y los cabecillas son decapitados.Despues de esto Carlos V se mostró comprensivo ante España)
Sus éxitos fueron:Durante su reinado hizo frente a muchos problemas internos entre los cuales caben destacar: su hijo Carlos, su secretario Antonio Pérez y la guerra de las Alpujarras. También acabó con los focos protestantes en España, localizados principalmente en Valladolid y Sevilla.Durante su gobierno, el Imperio español dirigió la exploración global y la extensión colonial a través del Atlántico y Océano Pacífico, convirtiéndose durante mucho tiempo en el principal país y potencia europea en todo el mundo. Su imperio, el Imperio español se convirtió bajo su gobierno en el primer imperio global, porque por primera vez un imperio abarcaba posesiones en todos los continentes, las cuales, a diferencia de lo que ocurría en el Imperio romano o en el Carolingio, no se comunicaban por tierra las unas con las otras.
Sus territorios:

Panteón de Agripa

Panteón de Agripa:
Templo circular construido en Roma a comienzos del Imperio romano, dedicado a todos los dioses( panteón significa templo de todos los dioses de una misma religión). En la ciudad se lo conoce popularmente como La Rotonda , de ahí el nombre de la plaza en que se encuentra.La reconstrucción la llevó a cabo Adriano del que voy a hablar a continuación.
Adriano:
Nació en Roma el 24 de Enero del 76 y murió el 10 de Julio del 138.Fue un emperador romano(en casi su máximo explendor).Fue el segundo emperador de origen hispano y sus aficiones eranla filosofía estóica( movimientos filosóficos que, dentro del periodo helenístico, adquirió mayor importancia y difusión. Fundado por Zenón de Citio en el 301 a. C., adquirió gran difusión por todo el mundo greco-romano, gozando de especial popularidad entre las élites romanas. )
Yo voy a hablar sobre el panteón de Agripa a pesar que ha sido construido en la antiguedad los elementos antiguos se u tilizaron en el estilo renecentista y por ello hablaré detenidamente en esta entrada
Características del panteón de Agripa:
La construcción de una amplia sala redonda adosada al pórtico de un templo clásico es una innovación en la arquitectura romana. El modelo de espacio circular cubierto por una bóveda se había utilizado por la misma época en las grandes salas termales, pero era una novedad usarlo en un templo. El efecto de sorpresa al cruzar el umbral de la puerta debía ser notable.
La construcción de una cúpula semiesférica sobre un tambor circular, era típico de la arquitectura de la época. Se observa en la Villa Adriana en Tívoli, en las termas de Agripa, las termas de Caracalla, y en general en las salas de los primeros tiempos del imperio. Las pechinas no se generalizarían hasta una época más tardía, en tiempos de Diocleciano.
El espacio interno de la rotonda está constituido por un cilindro cubierto por una semiesfera. El cilindro tiene una altura igual al radio, y la altura total es igual al diámetro, por lo que se puede inscribir una esfera completa en el espacio interior. El diámetro de la cúpula es de 43,44 m (150 pies), lo que la convierte en la mayor cúpula de hormigón en masa de la historia.

San Lorenzo del Escorial

San Lorenzo del Escorial:(monasterio)
Es un edificio de estilo arquitectónico renacentista que fue mandado construir por Felipe II en el siglo XVI su artista fue Juan Bautista de Toledo pero además intervinieron Juan de Herrera, Juan de Mijares, Catello El Bergamasco y Francisco de Mora. El rey concibió un gran complejo multifuncional, monacal y palaciego que, plasmado por Bautista que dió origen al estilo herreriano( se caracteriza por su rigor geométrico, la relación matemática entre los distintos elementos arquitectónicos, los volúmenes limpios, el predominio del muro sobre el vano y por la ausencia casi total de decoración, razón por la cual en su época era denominado estilo desordamental)
Vida de Juan Bautista:
Toledo y Madrid.Nacido en Madrid el 10 de mayo de 1567 fue un arquitecto renacentista de nacionalidad española y uno de los más destacados de su tiempo, con excepcional experiencia en urbanismo e ingeniería militar e hidráulica.Entre sus obras destacan el monasterio en la que profundizaré a continuación.
El monasterio:
Características:
La planta rectangular con sus cuatro torres en las esquinas, típica de los sobrios alcázares castellanos de piedra, la arquitectura clásica italiana en la basílica y las portadas, y los típicos tejados apizarrados flamencos. El edificio destaca por la potencia de su imagen, la sabia composición de su complejo programa funcional, el rigor arquitectónico de cada una de sus partes, la elegancia de la articulación arquitectónica entre las distintas piezas, la cuidada perfección de sus proporciones y sus ricos valores simbólicos. Debe destacarse también su impresionante unidad de estilo y el haberse realizado en el reducido plazo para entonces de 21 años. Los valores del proyecto son el orden, la jerarquización y la perfecta relación entre todas las partes de la composición, integrando monarquía, religión, ciencia y cultura en el eje principal: la Portada Principal con la estatua de San Lorenzo, la Biblioteca, los Reyes de Judá, la Basílica y el Palacio privado del rey. La teatralidad de este recorrido a través de este gran eje central para mostrar finalmente el Sagrario con la Eucaristía anticipa a la llegada del Barroco.El estilo escogido fue el del renacentista, muy depurado y sin la profusa decoración plateresca. El orden arquitectónico predominante es el toscano, el más sencillo del clasicismo, y el dórico en la iglesia. Pese a su austeridad y aparente frialdad, el Monasterio de El Escorial fue un símbolo del salto entre una España medieval y otra moderna. Su arquitectura, el mejor ejemplo del Renacimiento español y modelo del estilo denominado Herreriano o desornamentado no puede dejarnos indiferente. Felipe II y sus arquitectos, de acuerdo con su gran cultura humanista aprendida en sus viajes por Italia, Alemania y los Países Bajos, contrapusieron el retorno al clasicismo romano al desbordante plateresco de la época

El palacio Pitti

El palacio Pitti:Hecho por Filipo Brunelleschi
 Palacio de la época renacentista en Florencia en Italia.El aspecto del palacio data de 1458 y era originalmente la residencia urbana de Luca Pitti, un banquero la familia Médicis en 1549 como residencia de los duques de la Toscana.En el siglo XIX, el palacio fue usado como base militar por Napoleón Bonaparte y luego sirvió, durante un corto período, como residencia oficial de los reyes de Italia. A principios del siglo XX, el palacio junto con su contenido fue donado al pueblo italiano por Victor Manue III; por lo que se abrieron sus puertas al público y se convirtió en una de las más grandes Galerías de arte de Florencia. Hoy en día sigue siendo un museo público, ampliado con colecciones de arte del siglo XIX y principios del XX.
Características:
Se caracteriza por el movimiento de los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano al de un verdadero artista, marcando en cada obra su estilo personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa consideración social, como artistas interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la concepción integral del humanismo renacentista. Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no sólo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio de tratadistas contemporáneos.

Bernini

Bernini:
Bernini nació en 1598 en Nápoles, ciudad natal de su madre Su padre era el escultor, nacido en la Toscana, en la población de sesto fiorentino, que se había trasladado a Nápoles para trabajar en las obras de la Cartuja de San Martín. En la ciudad conoció a Angelica Galante, con la que se casó. La familia, cuando Gian Lorenzo tenía seis años, se trasladó a Roma.La Roma de inicios del siglo XVII  era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Carraci o Rubens, quienes abrieron la senda de la época del barroco.Su peor enemigo era su aprendíz Borromini a quien le pidieron la construcción de la fachada de un palacio,pero a Bernini le encargaron la fuente en la que ningún personaje mira la fachada de Borromini y es como si se doblasen bruscamente.
Obras:

Massacio

Massacio:
Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran ebanistas.Masaccio se trasladó a Florenci(foco del periodo renacentista del Quatrocentto) entre 1417 y 1421, tal vez a causa de la muerte de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de Masaccio alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella continuó viviendo en casa de su difunto marido.Tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
El Tributo:
Trata sobre la salvación de la humanidad el cual es el tema principal hecha por Jesus y realizada a través de Pedro el apóstol y del cual se narra.El cuadro expone tres escenas bíblicas:
1-Un recaudador de impuestos (el publicano que era una persona que pertenecía al pueblo y eran odiados por los fariseos porque eran pecadores) reclama un tributo a san Pedro. Este acontecimiento ocupa el centro del fresco. Se ve al cobrador, de espaldas, con una túnica roja, que pide el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que  repite, lo que ha de hacer.
2-San Pedro toma una moneda tragada por un pez del lago Tiberiades Esta escena aparece en el lado de la izquierda.
3-San Pedro paga al publicano, según se muestra en el lado derecho

La Capilla Sixtina

La Capilla Sixtina:
es la capilla más famosa del palacio apostólico de la ciudad del vaticano, la residencia oficial del papa. Se encuentra a la derecha de la basílica de San pedro y originalmente servía como capilla de la fortaleza vaticana. Es famosa por su arquitectura, evocadora del templo de Salomón del Antiguo testamento, y su decoración al fresco, obra de los más grandes artistas del renacimiento incluyendo a Miguel Ángel,Rafaely Botticelli. Por orden de Julio II(un papa) Miguel Ángel decoró la bóveda (1.100 m²) entre 1508 y 1512. A Miguel Ángel no le agradó este encargo, y pensó que su trabajo era sólo para satisfacer la necesidad de grandeza del Papa.
Bóveda:
Miguel Ángel usó colores brillantes, fácilmente visibles desde el suelo. En la parte baja del techo pintó a los antepasados de Jesucristo. Sobre ellos, pintó alternados a los profetas y a las sibilas, con Jonás y Zacarías(Jonás:era un profeta del antiguo testamento que según la biblia Dios le mandó a Ninive que era una ciudad dominada por el mal pero en su trayecto fue devorado por una ballena a consecuencia de su desobediencia y Zacarías:era un profeta también del antiguo testamento) en el otro extremo. En la parte central, Miguel Ángel pintó nueve escenas del génesis(primer libro de la biblia en la que se relata el comienzo y creación.Escrito por Moisés y que la misma palabra significa principio). Solo se le encargó pintar doce figuras, los doce apóstoles(eran los acompañantes de Jesus y que le escuchaban y aprendían de sus enseñanzas) Rechazó el trabajo porque él se consideraba escultor, no pintor. El Papa dio permiso a Miguel Ángel para pintar las escenas y figuras bíblicas que él eligiera como compensación. Cuando el trabajo estuvo terminado, había pintado más de 300 figuras, que mostraban la creación, Adán y Eva en el Edén(era una especie de jardín en la que vivía Adán y Eva y que actualmente no se encuentra localizada.Se dice que podría ser el paraiso y el diluvio universal(fue un elemento usado por dios para acabar con la maldad que había en la época de  Noé)
 En junio de 1980 y octubre de 1984 se llevó a cabo la primera parte de la restauración de los frescos de la Capilla Sixtina, que consistió en trabajar en las lunetas hechas por Miguel Ángel. Después de esto, el trabajo se centró en la bóveda, que comenzó en noviembre de 1984 y fue completado en diciembre de 1989, y para finalizar se trabajó en el juicio final.

El juicio Final

El juicio final:

Es un mural hecho por el artista completo del renacimiento(exactamente del Quatrocentto XV) que sirvió para complementar la Capilla Sixtina.Como podemos observar presenta el juicio final(hablada por la bíblia en Apocalípsis).En la parte de arriba suben las personas salva es decir las que han sido buenas y cran en dios que son arrastradas por una furza que las levanta(hacia el cielo y donde están los ángeles)y en la parte de abajo están la personas no salvas que son arrastradas hacia abajo(hacia el infierno y donde están los demonios)pero intentar subir con todas sus fuerzas,las de abajo que se encuentran al lado izquierdo y los que descienden a las tinieblas, al lado derecho.
Las personas que ascienden son las que estaban en la Tierra en el momento en que Cristo llama a todas las personas. Muchos están resucitando y son representados como cadáveres. Algunos ángeles ayudan a subirlos al Cielo, y más adelante, las mismas personas ayudan a otras a que asciendan. En la Tierra hay algunos demonios escondidos en cuevas. Algunos demonios intentan evitar que las personas asciendan al Cielo..Una peculiaridad de este cuadro es que Miguel Ángel apoyaba la teoría heliocéntrica(en la que dice que los planetas(incluyendo la tierra)giran alrededor del sol y no los planetas y el sol gira alrededor de la tierra.Este pensamiento era típico de la Edad Media y a cualquier persona que contradijese este pensamiento era decapitado o encarcelad y acusado de traición a la iglesia y a dios) y la reflejó en  Cristo situado en el medio(simboliza el solo poeque por detrás hay como una pequeña luz ) y los demás de alrededor represntan los planetas.
Personajes:
Cristo,María,San Pedro,San Pablo,San Andrés,San Bartolomé,Santa Catalina,San Lorenzo,San Blas y San Sebastián.

La creación de Adán

La creación de Adán:
Fue una obra de Miguel Ángel hecha con la técnica del freco(pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada) y que se sitúa en la Capilla Sixtina y pintada en 1511.El cuadro representa a Adán(es el primer hombre según la iglesia creado por Dios y que de una parte de su costilla derecha nació o fue creada Eva,también la primera mujer crada según la iglesia).A Dios se le muestra como un anciano de avanzada edad(esto era un pensamiento típico de la edad media creer que Dios era un sabio erudito de avanzada edad y de sexo masculino.Este pensamiento prosigue hasta nuestros días)y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva(primera mujer creada y comentada antes), quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos está separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años para completarla.
Características:
-No tien realismo;es decir realza las características de las figuras representadas en los cuadros.
-Imagen de fondo para crar profundidad e impresionar al que mire el cuadro.

Piero della francesca

Piero della Frencesca:(1415-1492)
Es un pintor renacentista de la época del Quatrocentto(siglo XV).Fue un especialista en la técnica del fresco que consistía en que se realiza el cuadro sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de yeso, en la cual se va aplicando la cal apagada y cuando la última capa está todavía húmeda, se trabaja (se pinta o se esgrafía) sobre ella, de ahí su nombre pero esta téncnica también era conocida en la época como geómetra o matemático.También era especialista en perspectiva(consistía en dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos) y de la geometría euclidiana(Es aquella que estudia las propiedades geométricas del plano afín euclídeo real y del espacio afín euclídeo tridimensional real mediante el método sintético, introduciendo los cinco postulados de Euclides)Como podemos observar fue una figura del renacimiento y posteriormente voy a hablar de la resurrección de Cristo .Murió el 12 de octubre de 1492(día de la hispanidad por el descubrimiento de Cristóbal Colón)en Borgo del Santo sepolcro en Italia.
La resurrección de Cristo:
Obra realizada por el Piero della francesca. Mide 225 centímetros de alto y 200 centímetros de ancho. Realizó esta obra entre el año 1463 y 1465. Fue pintada en Arezzo. Figura hoy en día sobre el lugar de su creación: uno de los muros de lo que hoy en día es el museo cívico y que era entonces la sala magna de la residenza donde se celebraban las reuniones del Consejo.

la virgen de santa ana

La virgen de Santa Ana:
Es una obra pictórica hecha por Leonardo ente los años 1508-1510 representa a Santa Ana(casada con Joaquín, fue la madre de María y por tanto la abuela de Jesus el Nazareno.Ana es patrona de la Inglaterra y muchas ciudades en diversos países, así como patrona de las mujeres trabajadoras y los mineros, pues se considera a Jesús el oro y María la plata; también es patrona de las mujeres embarazadas a la hora del parto), su hija la Virgen María y el Cristo es representado abrazando a un cordero, lo que simbolizaba su Pasión en el calverio mientras que la Virgen intenta detenerlo.
Medidas:
 168 centímetros y de alto y 130 centímetros de ancho. Se encuentra en el Museo del Louvre  en la ciudad eurpea de París situada en Francia.
Características:
María y Ana,María sentada sobre las rodillas de Ana.María se inclina hacia delante para sujetar Jesus mientras este juega, de manera bastante brusca, con un animal llamado cordero símbolo de su sufrimiento en el calvario. Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran parecido entre madre e hija.
La escena se desarrolla en un paisaje atemporal,rocoso que delata el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.Usa la técnica del sfumato mediante en la que veladuras sucesivas crean un efecto evanescente. La defectuosa conservación ha aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana, y ha hecho desaparecer una poza que ocupaba todo el primer plano y en el que se hundían los pies de Ana.Muestra características típicas del renacimiento como que idealiza los rostros,no muestra realismo es decir no muestra sus defecto solo los idealiza,utiliza distintos fondos para crear profundidad,cuida las proporciones por ejemplo la cabeza del niño no es más grande que su cuerpo o las manos de las dos mujeres son desproporcionales a su cuerpo y otras partes de sus cuerpos también estan proporcionales.